Ebook Gallery

Vincent van Gogh, Noche estrellada, 1889.

Óleo sobre lienzo, 73,7 x 92,1 cm.

Museum of Modern Art, Nueva York.

Cuando tenía 4 años, murió mi abuela. Mis padres, imagino que en su afán de no traumatizarnos a mis hermanos y a mí, nos dijeron que habían venido unos ángeles a llevársela. Eso habría dejado tranquilo a cualquier niño, ya que estos seres celestiales tienen fama de bondadosos y protectores del ser humano. Y de hecho funcionó con el resto de mi familia, pero yo no soy cualquier niño y me pasé los meses siguientes aterrorizada ante la idea de que un ángel pudiera venir y llevárseme a mí también, o peor aún, a mis padres y hermanos (esta idea me resultaba especialmente horrible en los días de tormenta). Si a esto añadimos que por aquel entonces iba a un colegio de monjas y mi clase estaba muy cerca de la capilla, podéis haceros la idea de que ese año no fue el mejor de mi vida.

Pero dejando fantasías infantiles a un lado, los ángeles han estado representados en el arte desde que el hombre es hombre (o, quizá mejor dicho, desde que dios es dios) y están presentes en las tres religiones del libro. Seguidores de las modas, heredaron sus alas la mitología griega y cambiaron sus vestimentas conforme a los gustos de cada época, desde el uniforme militar del principio (no olvidemos que son el ejército de dios) hasta las túnicas con que todos nosotros solemos imaginarlos.

Estas criaturas divinas han traspasado a todas luces el campo de la religión y ahora las tenemos por todos lados: postales de San Valentín, imanes para la nevera, series anime, canciones, e incluso anuncios de desodorante o de queso crema, por no hablar de la adaptación que la subcultura gótica ha hecho de su imagen, mezclándola con la de sus compañeros caídos para crear un infierno realmente atractivo (si El Bosco levantara la cabeza).

The Israel Museum, Jerusalem hospeda actualmente una exposición sobre estos seres celestiales en la que podrás apreciar las diferentes estéticas según la época y la religión a la que se adscriben; se podrá visitar hasta el 3 de noviembre de este año. Pero si no tienes tiempo, también puedes llevarte a estos bondadosos —o terroríficos—seres a casa en forma de ebook.

El Whitney Museum ha organizado una exposición titulada «… as apple pie» en la que la palabra que obviamente falta delante de los puntos suspensivos es «American». En ella reúnen obras de todos los artistas representativos (y representadores) del «American way of life», y si hay alguien que no podía faltar, ese es Jasper Johns (también conocido en ámbitos no artísticos como «el tipo que pinta banderas»).

Precursor del Pop Art, basa su arte en objetos cotidianos, por lo que, siendo estadounidense, no es de extrañar que su obra esté llena de referencias a esa cultura de la que, además, no podría ser mejor ejemplo: Nacido en un hogar roto, creció con diversos miembros de su familia en varios pueblos de la costa este para finalmente mudarse a Nueva York; allí se enroló en el ejército y cuando regresó a la Gran Manzana se involucró activamente en la vida artística de los 60. Ahora vive en Connecticut y tiene una propiedad en Saint Martin.

La mayoría de sus obras reproducen emblemas nacionales, especialmente banderas y mapas, lo que podría hacer que nos planteáramos si es realmente un artista o un mero nacionalista pintor de iconos (cosa de lo que, seamos sinceros, todo europeo que se precie tacha a los americanos al menos una vez en su vida. Y no hablo de lo de «pintor de iconos», aunque también). Y es que en él se juntan dos de las grandes preguntas del siglo XX ¿Es el Pop Art realmente arte o sólo una panda de libertinos que, al amparo de la mayor libertad de los 60, aprovechó para hacer fortuna riéndose de todo el resto?

La otra, si los americanos son nacionalistas o patriotas quedará en el aire durante mucho tiempo, pero igual puedes aclarar un poco tus ideas en la exposición del Whitney Museum, de duración indefinida, o te puedes llevar a casa parte de la esencia americana con este magnífico libro.

Extraño título el del hoy, cierto, ¿cuál puede ser la relación entre el gran genio italiano y la gran cita del deporte? Al margen de elucubraciones, esta vez se da porque, como no sólo de deporte vive el hombre, los ingleses han organizado una suerte de «olimpiadas culturales» en Londres, que transcurren a la par que los juegos, y como parte de estos eventos destaca la exposición de Tiziano que hospeda The National Gallery.

Se trata de la exposición de tres de sus cuadros de la serie Metamorfosis –a saber, Diana y Calisto, Diana y Acteón y La muerte de Acteón–, que no se han visto juntas desde el siglo XVIII. Posiblemente esto se deba a la reciente adquisición de la primera de ellas, pero como ya he dicho que son una suerte de olimpiadas, la exposición no se limita a la mera exhibición de las pinturas, hay mucho más: para empezar, artistas actuales han creado nuevas obras que se exponen junto con las del maestro; si quieres más, puedes leer los poemas que reputados autores ingleses han escrito sobre los cuadros y el libro de Ovidio y para rematar, durante todo el mes de julio, The Royal Ballet representó tres nuevas obras especialmente creadas para la ocasión.

Puedes aprovechar que Londres es una ciudad fantasma (excepto la zona olímpica) para visitar tranquilamente esta y otras exhibiciones que se llevarán a cabo durante los Juegos Olímpicos. Pero si no te los quieres perder, siempre puedes hacerte con este magnífico libro y disfrutarlo tranquilamente cuando estos acaben.

Todos hemos oído alguna vez ese apelativo un tanto raído de «L’enfant terrible de la moda» que se utiliza con frecuencia para calificar a un sinnúmero de modelos y diseñadores —mujeres ellas, hombres ellos, salvo la honrosa excepción de Vivienne Westwood—, especialmente a los segundos. La frasecilla no atiende al decoro y habla sin acatamiento del réprobo John Galliano, del atribulado Alexander McQueen, del guipuzcoano Ion Fiz, del talentoso Esteban Cortázar, de mi paisano David Delfín, de Christian «L’enfant-Roi» Deslauriers, del renovador Marc Jacobs o, cómo no, del francés Jean Paul Gaultier.

Precisamente a este último le ha dedicado una exposición el de Young de San Francisco. «The Fashion World of Jean Paul Gaultier: From The Sidewalk to the Catwalk» estará abierta al público hasta el próximo 24 de agosto para desvelar algunos aspectos claves del ceremonial del diseñador. En mi opinión, pese a que el propio Gaultier define su marca como «alta costura para la calle», la coletilla del título de la exposición puede inducir a engaño; ya que «de la acera a la pasarela» sugiere unos orígenes más similares a los de la tenaz Edith Piaf que a los relativamente cómodos de Gaultier como alumno de Pierre Cardin. No obstante, la gloria de ambos sí que es comparable.

Jean Paul Gaultier es, sin duda, el legítimo «enfant terrible», porque decora las formas femeninas como si jugara con muñecas y se divierte enormemente al hacerlo. Para muestra, basta ver alguno de los vídeos promocionales de los nuevos diseños para ese refresco bajo en calorías universal, cuyos botellines ha vestido como si fueran mujeres. Bajo sus cuerdas, el cuerpo femenino se convierte en un lienzo sobre el que pinta la belleza en todas sus formas. Los motivos de las botellas son sus diseños fetiches: las rayas bretonas, los tatuajes y los corsés.

Precisamente, con esta última prenda de vestir, el diseñador halló el contrapunto entre la opresión y la libertad. En su colección Dada de 1983, desafió el carácter tradicional del corsé como ropa interior. El famoso corsé que diseñó para la «ambición rubia» en 1990 se convirtió en un verdadero símbolo de la irreverencia y la seducción de una feminidad exacerbada. Las figuras encorsetadas de Gaultier dan un paso más hacia la emancipación estética; son mujeres fuertes y seguras de sí mismas que se sienten cómodas en su propia piel.

Ya lo sabes, si te apasiona el estilo, la lencería, el cine, la libertad, las transparencias y todo aquello que aviva los sentidos, no te pierdas el espectáculo que se ha montado en torno al couturier-niño en San Francisco. Si, además, consideras que, al igual que un buen corsé, unos buenos zapatos de tacón embellecen las piernas, mejoran la postura y hacen que las mujeres se sientan poderosas y estilizadas, no dudes en hacerte con un ejemplar de Zapatos (o, por qué no, con un par).

Crees que sabes todo lo que hay que saber sobre Edvard Munch, ¿verdad? A tu juicio, era un solitario de alma atormentada, que pintaba escenas de trauma y desamparo y que se dejaba llevar por la angustia y la melancolía… ¿van por ahí los tiros? Pues la nueva exposición de la Tate Modern pone tu erudición sobre el noruego en entredicho y te invita a explorar las facetas más desconocidas de su personalidad a través del análisis de los temas que abordó en sus obras. Los de la Tate quieren que conozcamos más a un artista que era mucho más que «el tipo ese que pintó El grito» y nos enseñan, entre otras cosas, que su trabajo estuvo fuertemente influenciado por la deficiencia visual degenerativa que padecía y por su creciente interés por la fotografía.

Para la comunidad artística, la posibilidad de descubrir al hombre que se esconde tras el pintor y de conocer sus verdaderas motivaciones y las fuentes de inspiración de todas sus obras o de todos los periodos artísticos de su carrera constituye un sueño hecho realidad. Sin embargo, de algún modo, al completar el puzzle se pierde el halo de misterio que lo envuelve y se desvanece el carácter único y desgarrador de sus cuadros. Parece que conocer los detalles banales de la vida del artista requiere el sacrificio de su carácter legendario y del atractivo que emana el Munch torturado y ajeno al amor, ese que pintó sus obras maestras en un frenesí de contradicciones actuando como catarsis de sus traumas de juventud.

La nueva mirada que los expertos han arrojado sobre Munch revela que conocía muy bien las técnicas y los efectos visuales que empleaba y que su principal motivación para retomar sus temas preferidos una y otra vez no era otra que su viabilidad comercial. Si es así, el tipo ese sabía jugar sus cartas… Tal vez, la Tate debería tomar ejemplo y ofrecernos a ti y a mí lo que queremos, es decir, al Munch abatido y desesperado que creemos conocer. Según tengo entendido, El grito no se vendió nada mal…

Tienes la oportunidad de visitar la exposición Edvard Munch: The Modern Eye en la Tate Modern hasta el 14 de octubre de 2012 y ver cómo se te cae un mito o llevarte a casa este eBook y disfrutar de la aflicción de Munch en su apogeo.

Mucha gente conoce el 14 de julio como el día de la Bastilla o de la República francesa, pero me atrevo a asegurar que no es así para los austriacos, y es que ese día nació, hace ahora 150 años, Gustav Klimt. Y como su aniversario parece ser cosa de interés nacional, los principales museos de Austria están dedicando exposiciones a diferentes aspectos de su obra a lo largo de todo el año. Por supuesto el museo dedicado a arte y diseño alemán y austriaco ubicado en Nueva York, la Neue Galerie, ha montado su propia exposición.

Y la verdad es que no es para menos, porque este pintor de cuadros teselados, con colores vivos mezclados con dorado, es uno de los máximos exponentes del simbolismo y su obra no deja indiferente a ningún espectador, o la amas o la odias. Su cuadro El beso ha generado versiones infinitas que han llegado hasta el anime japonés y ha sido uno de los más caros jamás vendidos.

Sus protagonista, mujeres con una gran carga sensual (y muchas representantes del estereotipo de mujer fatal), seguro que hubieran dado mucho que hablar a uno de sus paisano, Freud. Si a esto le sumamos que, a pesar de tener 14 (!) hijos nunca se decidió a casarse y siguió viviendo con su madre hasta que ésta murió (él le sobrevivió tres años) tenemos ante nosotros un individuo ciertamente peculiar.

Pero como a los artistas hay que juzgarlos por sus obras y no por sus vidas (al menos en terreno artístico), lo mejor es que te acerques a una de las numerosas exposiciones que se llevarán a cabo este año o, si prefieres disfrutarlo con más tranquilidad, te lo lleves a casa en forma de libro.

Ambroise Vollard, considerado el principal marchante de arte contemporáneo de su generación, fue uno de esos hombres que se hacen a sí mismos. Llegó a París en 1887 sin apenas contactos ni referencias, pero su habilidad para los negocios y su visión artística le permitieron convertirse en el audaz impulsor de grandes artistas como Cézanne, Gauguin, Degas, van Gogh, Renoir, Bonnard, Vuillard y Picasso, que fueron subestimados en sus inicios.

Entre las arriesgadas operaciones que lo llevaron a ser quien fue, Vollard obsequió algunos cuadros a Pablo Picasso a cambio de una extensa colección de grabados que se conocen como la «Suite Vollard». Pocos son los museos que se pueden enorgullecer de poseer una serie completa de estos grabados. Por ello, el British Museum ha organizado la exposición «Picasso Prints. The Vollard Suite» para presentar al público los 100 grabados que ha conseguido reunir gracias a la generosa donación de la Hamish Parker Charitable Trust.*

Este «diario visual», de líneas sencillas y limpias y con un marcado estilo neoclásico, expresa los pensamientos, las ideas y las preocupaciones del que bien podría ser el artista más importante del siglo XX en la época en la que fueron realizados, entre 1930 y 1937. Con la guerra civil española como trasfondo, Picasso vivía en el castillo Boisgeloup, a las afueras de París, donde se dedicaba a realizar esculturas y a «hacer grandes cosas» junto a su musa y amante, la joven Marie-Thérèse Walter. Los grabados para Vollard reflejan la mitología personal del artista, que utiliza al minotauro, al toro-ganadero, como reflejo de sí mismo, de las emociones descontroladas y de la violencia y brutalidad que mueven el mundo.

La serie concluye con tres grabados del editor, sobre quien Picasso afirmó que «era un hombre tan vanidoso como una mujer», ya que «ni siquiera la mujer más bella del mundo había sido retratada con tanta asiduidad». En cualquier caso, este negocio no fue especialmente provechoso para Vollard, ya que falleció en un accidente de coche antes de que se realizaran todas las impresiones que había previsto.

¿Qué se puede decir de Leonardo que no se haya dicho ya? Este genio italiano del siglo XVI representa como nadie el hombre renacentista, aquel que poseía todo tipo de conocimientos, ya que, además de pintor, fue también  anatomista, arquitecto, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista.

De sus pinturas destaca la androginia de sus retratos, ya que se basaba tanto en modelos femeninos como en masculinos para pintarlos, combinando los rasgos de ambos. Esto se puede apreciar incluso en su pintura más famosa, La Gioconda, así como en su Baco y se ve claramente en muchos de sus dibujos.

Precisamente los dibujos son los que han interesado al Buckigham Palace, concretamente sus dibujos de anatomía, los menos conocidos pero no por ello menos importantes, de entre su obra. Porque cuando hablamos de los dibujos de da Vinci a todo el mundo le viene a la cabeza el Hombre de Vitruvio, tal vez maquinaria bélica, sus máquinas voladoras,… pero son pocos los que piensan en órganos internos, músculos, huesos e incluso fetos. Se dice que tenía intención de publicar estos estudios y que si lo hubiera hecho la ciencia europea hubiera experimentado un gran avance, pero su muerte (y un posible miedo a la Inquisición, a la que estuvo a punto de enfrentarse por acusaciones de homosexualidad) lo impidieron.

Si te interesa el lado más científico del mayor genio de todos los tiempos puedes acercarte a la Queen’s Gallery, Buckingham Palace, hasta el 7 de octubre de 2012 y conocer los secretos de la anatomía humana. Si te pilla a desmano pero no quieres renunciar a conocer la plenitud de su obra, puedes recurrir a estos magníficos libros.