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Eine Stimmung einzufangen, diese so genau wie möglich wiederzugeben oder sie sogar noch zu verstärken – so könnte man einen der Hauptaspekte des Impressionismus beschreiben.

Claude Monet, der vielleicht größte der Impressionisten, widmete sich in seinem Gesamtwerk häufig wiederkehrenden oder sich wiederholenden Motiven. Auch wenn er auf den ersten Blick immer das Gleiche gemalt zu haben scheint, öffnet sich dem menschlichen Auge nach einer längeren Zeit des Betrachtens seiner Bilder eine neue Welt. Wer sich intensiver mit den Werken Monets beschäftigt, erkennt, wie besessen der Maler von der Kraft des Lichts gewesen sein muss.

In seinen Serien trieb Monet das Ganze endgültig auf die Spitze. Auf den gezeigten Bildern aus Monets Serie Die Kathedrale von Rouen, die weit über 20 Werke umfasst, perfektionierte er das Bannen des Lichts in seinen unzähligen Facetten auf die Leinwand. Hier hilft vor allem das Nebeneinanderstellen der einzelnen Bilder der Serie. Während sie einzeln betrachtet wenig originell erscheinen, üben sie zusammen eine beeindruckende Faszination aus und strahlen eine ungeahnte Intensität aus.

Mit beinahe wissenschaftlicher Präzision näherte er sich dem immer gleichen Objekt zu verschiedenen Tageszeiten und den damit verbundenen unterschiedlichen Lichtverhältnissen. Auch wenn Stoff und Form immer dieselben bleiben, verändern sich doch die Farbe und die davon ausgehende Wirkung auf den Betrachter in einer Weise, die jeden überraschen muss.

Beinahe nebenbei führt einem dieses Phänomen vor Augen, wie relativ unser Zugang zur Welt ist.

Die Kathedrale von Rouen, Fassade und Turm Saint-Romain, trübes Wetter, 1894. Öl auf Leinwand. Musée des Beaux-Arts, Rouen.
Die Kathedrale von Rouen, Fassade, 1892-1894. Öl auf Leinwand. Pola Museum of Art, Hakone, Japan.
Das Portal und der Turm Saint-Romain in der Morgensonne, Harmonie in Blau, 1893. Öl auf Leinwand. Musée d’Orsay, Paris.

Die Ausstellung Boston Loves Impressionism im Museum of Fine Arts in Boston zeigt vom 14. Februar bis zum 26. Mai 2014 Meisterwerke des Impressionismus, darunter nicht nur Bilder von Monet, sondern auch Gemälde anderer Künstler wie Renoir oder van Gogh. Es ist die erste Ausstellung, in der die Besucher ihre Favoriten unter den ausgestellten Werken wählen können.

http://www.mfa.org/exhibitions/boston-loves-impressionism

Die perfekte Vorbereitung dafür bietet der im Verlag Parkstone-International erschienene Titel Claude Monet, der sich aber auch bestens für alle diejenigen eignet, die sich dem Thema Impressionismus zu Hause widmen wollen.

Durch die Erweiterung des Kunstbegriffs ist es wieder möglich geworden, Kunst nicht mehr streng nach Genre oder Epochen gliedern zu müssen und daher als Ganzes und Gleichzeitiges zu betrachten. Somit kann von einem Crossover, nicht nur in der künstlerischen Praxis, sondern auch in der allgemeinen Kunstwahrnehmung gesprochen werden. Neben der Qualität und der Originalität der Kunstwerke setzen zeitgenössische Sammler immer mehr darauf, moderne Wunderkammern mit Bildern und Gegenständen zu schaffen, die perfekt aufeinander abgestimmt sind und ein einheitliches Ganzes verfolgen. Sie sind den Kunst- und Wunderkammern der Spätrenaissance und des Barocks ähnlich, in denen Sammler ihre Objekte trotz ihrer unterschiedlichen Herkunft gemeinsam in Räumen arrangierten und der Öffentlichkeit präsentierten. So werden auch heute wieder Naturalien nicht von Artefakten, Gemälde nicht vom Kunsthandwerk getrennt, sondern stilübergreifend als Einheit von Geschichte, Kunst, Natur und Wissenschaft gezeigt. Daher können Kunstobjekte aus den verschiedenen Jahrhunderten mit Kuriositäten der Natur korrespondieren, profane Kunstwerke mit Arbeiten der religiösen Kunst kontrastieren und Meisterzeichnungen des Barocks mit surrealistischen Gemälden harmonisieren.

Willem van Haecht, Die Galerie von Cornelius van der Geest, 1628. Öl auf Holztafel, 99 x 129,5 cm Rubenshuis, Antwerpen.

In unserer modernen Zeit, in der eine Vielzahl von Genres und Techniken miteinander verbunden werden und Intermedialität eine wichtige Rolle spielt, richten immer mehr Kunstmäzene den Fokus ihrer Privatsammlungen auf die Verflechtung und das Ineinandergreifen ihrer Artefakte, um eine einheitliche Kollektion aufzubauen.

Salvador Dalí, Mae West Room. Dalí Theater and Museum, Figueres.

Die Ausstellung For your eyes only zeigt einzigartige Exponate aus der Basler Sammlung von Richard und Ulla Dreyfus-Best, u. a. Werke von Künstlern wie Arnold Böcklin, Victor Brauner, Pieter Brueghel der Ältere, Giorgio de Chirico, Francesco Clemente, Salvador Dalí, Max Ernst, René Magritte, Man Ray und Andy Warhol. Des Weiteren werden verschiedenste Artefakte, ob Sklupturen oder Gemälde, vom Mittelalter bis zur Gegenwart zum ersten Mal gemeinsam in einer internationalen Exposition ausgestellt. Nach ihrer ersten Station in der Peggy Guggenheim Collection Venedig wird diese zeitgenössische Kunst- und Wunderkammer ins Kunstmuseum Basel und danach zum Musée Jacquemart-André nach Paris reisen.

Auch wenn die Sammlung erst ab Mai nächsten Jahres in der Peggy Guggenheim Collection, Venedig zusehen ist, kann man in intensiver Vorbereitung darauf die Zeit während der Weihnachtsfeiertage nutzen, um in verschiedenen Büchern, die im Verlag Parkstone International erschienen sind, zu schmökern, u. a. von Nathalia Brodskaïa: Surrealismus und Eric Shanes: Dali.

In der Renaissance waren viele Künstler nicht nur Meister ihres Fachs, sondern auch Mitglieder eines Standes, dem es gestattet war, mit der Herrscherelite der europäischen Länder in Kontakt zu treten. An den jeweiligen Höfen konnten sie sich zudem intensiv mit den Gelehrten der Zeit austauschen.

Der 1471 in Nürnberg geborene Albrecht Dürer wird in diesem Zusammenhang als der typische Künstler der Renaissance im nördlichen Europa angesehen. Er malte nicht nur Kaiser Maximilian I., sondern auch Persönlichkeiten der deutschen Elite wie etwa Jakob Fugger. Darüber hinaus war Dürer auch politisch aktiv, so zum Beispiel als er die Stadt Nürnberg auf dem Reichstag in Augsburg vertrat.

Albrecht Dürer, Kaiser Maximilian I. ,1519,
Öl auf Lindenholz, 86,2 x 67,2 cm.
Kunsthistorisches Museum, Wien

Ein weiterer deutscher Renaissance-Meister ist der 1497 in Augsburg geborene Hans Holbein der Jüngere, der wie Dürer Kontakt zu den Herrschern Europas hatte. Holbein ging 1523 zunächst nach Frankreich, um für König Franz I. zu malen, und anschließend nach England, wo er 1536 Hofmaler Heinrichs VIII. wurde. Dort porträtierte er nicht nur die königliche Familie, sondern auch bedeutende Männer wie Erasmus von Rotterdam und Thomas Morus, deren Bücher (Lob der Torheit und Utopia) er zudem illustrierte.

Hans Holbein der Jüngere, Porträt von Thomas Morus,
1527, Eichenholz, 74,2 x 59 cm.

Laut einer Anekdote war es ihm jedoch nach einem Auftrag nicht mehr gestattet, Mitglieder der königlichen Familie zu malen. Holbein hatte Anna von Kleve, eine der vielen Frauen Heinrichs VIII. anscheinend zu schön gemalt, sodass der König von der wirklichen Erscheinung Annas enttäuscht war, als er sie das erste Mal sah. Wenn man sich die Schicksale der anderen in Ungnade Gefallenen am Hofe Heinrichs VIII. betrachtet, hatte der in Ungnade gefallene Holbein aber noch einmal Glück.

Die Ausstellung Strange Beauty: Masters of the German Renaissance in der National Gallery in London zeigt vom 19. Februar bis zum 11. Mai 2014 eine breite Auswahl an Werken deutscher Renaissance-Künstler, darunter Arbeiten von Hans Holbein dem Jüngeren, Lucas Cranach dem Älteren und Albrecht Dürer.

Wer sich bereits im Voraus über diese Meister der Renaissance informieren möchte, kann dies bestens mit den Renaissance-Titeln des Verlags Parkstone-International tun.

Francisco de Goya (1746-1828), bekannt als „Künstler des Schreckens“, beschäftigte sich eindringlich mit den sozialen und politischen Umständen seiner Zeit und fand dafür teilweise drastische und ungeheuerliche Ausdrucksweisen in seinen Gemälden und Druckgrafiken. Goya verwendet in seinen Bildern das Stilmittel Groteske, wodurch seine übersteigerten Darstellungen der Realität auf den Betrachter schaurig wirken. Seine Pinturas negras (Schwarze Bilder) sind ein eindrucksvolles Beispiel seines Œuvres, in denen sich die düsteren Fantasien des Malers mit den bedrückenden Zeitumständen vermischen.

Francisco de Goya, Saturn frisst seine Kinder, 1820-1823. Öl auf Verputz, auf Leinwand übertragen, 146 x 83 cm. Museo Nacional del Prado, Madrid.

In seiner grafischen Serie Caprichos (übersetzt mit Launen; Einfälle) schuf Goya insgesamt 80 Bildtafeln, in denen er sich kritisch mit den Ehesitten, der Erziehung, der Prostitution und dem Aberglauben seiner Zeit auseinandersetzte. Darüber hinaus griff er auch die Kirche, die Inquisition, den Adel und die Regierung an. Somit spiegeln seine Caprichos alltägliches, aber auch groteskes wider in einer Bildsprache, die vom Realistischen bis ins Traumhafte reicht. So erscheinen in seinen Darstellungen haarsträubende Fantasiewesen wie Ungeheuer, Hexen und Dämonen, die direkte Ausgeburten menschlicher Albträume zu sein scheinen. Diese gesellschaftskritischen Werke Goyas besitzen eine indentierte Mehrdeutigkeit an den Betrachter, der sich in dem ein oder anderen Thema möglicherweise selbst wiederfinden wird.

Francisco de Goya, Das Blatt 43, aus der Serie Caprichos.

Goyas bekanntestes Capricho, das Blatt 43 mit dem Titel El sueño de la razón produce monstruos (Der Schlaf der Vernunft gebiert Ungeheuer), gehört zu den bedeutendsten graphischen Werken der Kunstgeschichte. Sueño kann sowohl „Schlaf“ aber auch „Traum“ heißen – von daher können die Ungeheuer, die sich hinter dem schlafenden oder träumenden Mann befinden, als Produkte seines Traums von der Vernunft entstanden sein oder aber erzeugt werden, wenn die Vernunft nicht wach ist, sondern schläft. Somit kann die Grafik als positive, aber auch negative Reaktion auf die Zeit der Aufklärung mit ihrer Berufung auf die Vernunft als höchste Urteilsinstanz interpretiert werden.

Im New Mexiko Museum of Art, Santa Fe kann vom 14. Dezember 2013 bis zum 9. März 2014 die Ausstellung Renaissance to Goya: prints and drawings from Spain besucht werden, die zuvor bereits im British Museum, London zusehen war. Hier wird ein besonderes Augenmerk auf die verschiedenen Arten von Druckgrafiken und Zeichnungen und ihre unterschiedlichen Funktionen gelegt, um die Rolle, die sie in der künstlerischen Praxis und visuellen Kultur Spaniens gespielt haben, aufzuzeigen. Des Weiteren ist im Parkstone International Verlag ein Buch mit dem Titel Goya, geschrieben von Sarah Carr-Gomm, publiziert worden. Dieses sei jedem Goya-Interessierten empfohlen.

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Pablo Picasso, ein unermütlich arbeitender Künstler des letzten Jahrhunderts, der Zeit seines Lebens immer wieder neue Quellen der Inspiration suchte, die er oft aus der frisch erblühenden Liebe zu einer Frau zog. Seine zahlreichen Frauen waren Musen für ihn, um immer wieder neue, vielfältige und faszinierende Kunstwerke zu erschaffen. So griff der Charmeur im Verlauf seiner künstlerischen Karriere unter anderem immer wieder ähnliche Sujets aus den Bereichen Liebe, Liebespaare und erotisches Zusammensein in seinen Bildern auf. Seine Kunstwerke können als Tagebücher seines täglichen Lebens und vor allem seines seelischen und emotionalen Zustands verstanden werden, in denen er sein Verhältnis zu seinen zwischenmenschlichen Beziehungen offenbarte und reflektierte. Von daher zeigt sein Œuvre eine enge Verbindung zwischen Arbeit und Leben eines der größten künstlerischen Genies des 20. Jahrhunderts.

Pablo Picasso: Der Kuss. Öl auf Leinwand, 97 x 130,2 cm. Musée Picasso, Paris.

Verfolgen wir die verschiedenen Schaffensperioden Picassos, können wir anhand der wechselnden Formensprache und Ausdrucksweise erkennen, wann eine Beziehung im Leben des Künstlers endete und eine neue begann.

Pablo Picasso und die Frauen. Fotografiert in den 1930er Jahren von Man Ray.Man Ray Trust Paris/VG Bild-Kunst.

So erzählen uns Picassos Bilder, in denen er seine zahlreichen Beziehungen in seinem Leben verarbeitete, viel über ihn selbst, seine Arbeitsmethoden und das Umfeld, in dem er wirkte. Seine stark maskulin ausgeprägte Persönlichkeit ließ ihn seine Inspiration immer wieder in der schönen Weiblichkeit finden.

Noch bis zum 25. Januar 2014 kann man in Florenz, im Palazzo Strozzi die Ausstellung Picasso e l’Amore besuchen, die duch die Fondazione Palazzo Strozzi organisiert und von Laurence Madeline, Maria Grazia Messina und Caterina Zappia kuratiert wurde. Die Ausstellung gibt einen Einblick, wie Picasso liebte, auf welche Art und Weise und inwiefern er dies in seinen Kunstwerken verarbeitete.So greift die Ausstellung verschiedene Themen rund um das Sujet der Liebe, verbunden mit den wichtigsten Partnerinnen, die den Künstler während seines Lebens und seiner Karriere begleiteten, auf: Fernande –die bohèmische Liebe, Eva – die romantische Liebe, Olga –die bürgerliche Liebe, Marie-Thérèse –der Ehebruch und die leidenschaftliche Liebe, Dora –die Ausschweifung und das politische Engagement in der Liebe, Françoise – die Kreativität und die Wiederentdeckung der Jugend in der Liebe und Jacqueline –die Ehe und Partnerschaft bis an das Ende seines Lebens.

Wer Lust bekommen hat , sich näher mit den Themen Liebe und Picasso auseinander zu setzen, dem seien das Ebook Picasso von Jp. A. Calosse und das englischsprachige Buch Love, beide erschienen im Verlag Parkstone International, ans Herz gelegt, die einen Einblick in das Leben des Künstlers und die Liebe im Allgemeinen geben.

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Ob es der Arabische Frühling oder Bürgerrechtsbewegungen in der westlichen Welt sind – noch immer kämpfen Menschen unter Einsatz ihres Lebens für Freiheit und mehr Rechte. Dieser Kampf gegen Willkür und Unterdrückung geht vor allem auf die europäischen Revolutionen des 19. Jahrhunderts zurück, als der Ruf nach Freiheit ganze Staaten und Systeme ins Wanken brachte. Jede Revolution erzeugt hierbei ihre eigenen Bilder und Symbole, die auch in der Kunst verarbeitet werden.

Der dem Stil der französischen Romantik angehörende Maler Eugène Delacroix (1798-1863) setzte sich in zwei seiner bekanntesten Werke sowohl mit der französischen Julirevolution von 1830 als auch mit dem Griechischen Unabhängigkeitskrieg von 1821 bis 1829 auseinander und prägte damit deren Wahrnehmung in der Öffentlichkeit.

Die Freiheit führt das Volk, 1830. Öl auf Leinwand, 260 x 325 cm. Louvre, Paris.

Die Trikolore schwenkende und Massen aus Arbeitern, Bürgern und Studenten anführende Marianne symbolisert als Ikone der Freiheit den nationalen Kampf für die französische Republik.

Daneben steht das Massaker von Chios im Jahr 1822, das während der Aufstände gegen die osmanische Herrschaft an der griechischen Bevölkerung verübt wurde, und bei dem etwa 70 000 Zivilisten erbarmungslos getötet oder versklavt wurden.

Die Grausamkeit und deren Darstellung veränderte die Meinung im Westen zugunsten der Griechen. Auf anfänglich ausschließlich wirtschaftliche Bedenken folgten politische Sorgen, die als Reaktion die Unterstützung der griechischen Kämpfer hatte. Der Krieg endete schließlich mit der Unabhängigkeit Griechenlands.

Beide Länder fielen jedoch wieder in monarchische Strukturen zurück. In Griechenland setzte der Westen ein absolutistisch anmutendes Königtum ein, auch in Frankreich bestand weiterhin eine Monarchie, wenngleich hier die liberalen Ideen auf längere Sicht gestärkt werden konnten.

Das Massaker von Chios, 1824. Öl auf Leinwand, 419 cm × 354 cm. Louvre, Paris.

Die Ideale der Julirevolution beeinflussten daneben auch ähnliche Bewegungen in ganz Europa, wo ihre Fürstreiter in der Folge immer wieder Erfolge aufweisen konnten, was veranschaulicht, welch starke Wirkung von Symbolen in der Kunst ausgehen kann, wenn Menschen dazu bereit sind, für die dort repräsentierten Ideale einzustehen.

Die Ausstellung Delacroix and the Matter of Finish im Santa Barbara Museum of Art zeigt vom 27. Oktober 2013 bis zum 26. Januar 2014 Ausschnitte aus dem Werk dieses großartigen Malers, der von Künstlern wie Pierre-Auguste Renoir, Georges Seurat und Paul Cézanne gefeiert wurde.

http://www.sbma.net/exhibitions/delacroix.web

Allen, die sich bereits vorher mit dem Werk von Delacroix beschäftigen wollen, empfehlen wir das Buch Delacroix, das im Verlag Parkstone-International erschienen ist.

Der Tod und das Sterben in der Kunst – in den verschiedenen Epochen der Kunstgeschichte beschäftigten sich Künstler in ihren Werken mit dem Sterben und dem Tod, vor allem auch mit ihrem eigenen Ableben. Mittels unterschiedlichster Vanitas-Symbole veranschaulichten Künstler ihre eigene Sterblichkeit und hielten diese in ihrem Bildern auf eine einprägsame Weise dem Betrachter vor Augen. Von daher benennt man diese Darstellungen nach einem religiösen Leitsatz „Memento Mori – Bedenke, dass du sterben wirst”. So findet man das Memento Mori-Sujet als Stilmotiv immer wieder in der Kunst, mehrheitlich in Stillleben als in anderen Genren. Als typische Symbole verwendeten Künstler faulende oder mit Fliegen besetzte Früchte, umgekippte Weinkelche, Stundengläser, Totenschädel und viele weitere Objekte der Vergänglichkeit.

In einer abgeschwächten und weniger religiösen Form ist die Idee des Memento mori auch noch in der zeitgenössischen Kunst anzutreffen, beispielsweise bei den Surrealisten Salvador Dalí und Man Ray, dem Pop-Art-Künstler Andy Warhol und in den intermedialen Kunstwerken des Schotten Douglas Gordon.

Links: Andy Warhol, Selbstporträt, 1986. Acryl und Siebdruck auf Leinwand. Rechts: Douglas Gordon, Selbstporträt als Kurt Cobain, als Andy Warhol, als Myra Hindley, als Marilyn Monroe, 1996. C-Print. Metropolitan Museum of Art, New York.

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